Art

C’est l’histoire d’un malentendu. Dès Les Valseuses, en 1974, Bertrand Blier suscite des réactions violentes ; une partie de la critique encense le film, l’autre s’enflamme, allant jusqu’à le qualifier d’« authentiquement nazi ». C’est aussi l’histoire d’un auteur, d’un franc-tireur qui, film après film, se fait un devoir de ne jamais aller là où on l’attend, mais témoigne toujours d’une vision du monde personnelle, singulière, teintée de misanthropie. C’est surtout une page de l’histoire du cinéma français, écrite par un découvreur de talents, un artiste qui a toujours tracé sa route à sa manière, qu’importent les réactions qu’il a pu susciter. C’est enfin l’histoire d’un monde qui change, d’un pays où l’on voit surgir des concepts anglo-saxons (female glaze, test de Bechdel), d’une pensée qui cède souvent à un manichéisme ravageur, et d’un cinéaste qu’il était grand temps de réhabiliter. Sans jamais sombrer dans l’hagiographie, le critique de cinéma Vincent Roussel livre une dense et vaste monographie où il analyse, film après film, l’oeuvre de Bertrand Blier, son accueil public et critique, et rappelle sa cruelle beauté.

Découvrez dans ce guide complet les principes essentiels pour bien débuter en peinture : -Les connaissances du dessin indispensables : comment esquisser, créer l'ombreet la lumière, dessiner au pinceau ; -Les principes et la maîtrise de la couleur : comprendre l'interactionentre les couleurs, les mélanges et les harmonies, composer par le biais de la couleur, modeler avec les couleurs, peindre par mélanges optiques ; -Les matériaux et les techniques de base de l'aquarelle, de l'acrylique et de l'huile : des conseils, des démonstrations pas à pas et des solutions esthétiques originales.
L'essentiel de la peinture destiné aux débutants comme aux amateurs plus confirmés !

Deux artistes de deux pays et deux générations différentes, Ken Loach et Edouard Louis, échangent sur l'art, le cinéma, la littérature et leur rôle aujourd'hui. Comment l'art peut-il poser et repenser la question de la violence de classe ? Comment inventer un art qui déstabilise réellement les systèmes de pouvoir et ne se contente pas de les décrire ? Et quel peut être le rôle de l'art dans un contexte politique mondial inquiétant ? En tentant de répondre à ces questions et en confrontant leurs réflexions, Ken Loach et Edouard Louis esquissent un manifeste pour une transformation radicale de l'art.

Au Tamil Nadu, dans le sud de l?Inde, les traditions les plus lointaines et les plus anciennes sont restées intactes plus que nulle part ailleurs. Les puissantes présences des esprits et des dieux vivants s?incarnent sous les masques, dans les corps qui s?abandonnent au moment du rite et dans les dépouilles animales lors des sacrifices... Des personnages dont on ne sait plus s?ils sont hommes, dieux ou esprits, surgissent dans leur évidence, réels et divins, naturels et surnaturels.

Ecrit en 1910, alors que l'artiste venait de peindre son premier tableau abstrait, nourri des observations et des expériences accumulées peu à peu, ce livre compte parmi les textes théoriques essentiels qui ont changé le cours de l'art moderne.

De nombreux chefs-d'oeuvre d'Henri Matisse font aujourd'hui partie de collections réparties dans le monde entier. Eloignés les uns des autres, ils sont découverts séparément. Le musée Matisse de Nice, lieu de connaissance et de mémoire de l'oeuvre du peintre, propose de réunir à nouveau, dans une nouvelle conception d'expositions temporaires, certains de ces chefs-d'oeuvre. Cette fois, c'est autour de Nature morte aux grenades1 et de Intérieur rouge, nature morte sur table bleue2, peintures réalisées à Vence en 1947, que se décline la représentation des intérieurs de la période de Vence (1943-1948), avec leurs fleurs, leurs fruits - en particulier les grenades -, leurs fenêtres ouvertes sur un jardin aux essences méditerranéennes. C'est une occasion rare de se rapprocher de la genèse d'une oeuvre, du secret de l'univers du peintre. 1. Collection du musée Matisse de Nice. 2. Collection du K20 - Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf.

La Victoire de Samothrace est certainement l'une des expressions les plus spectaculaires et les plus achevées de la sculpture grecque de l'époque hellénistique. Pourquoi restaurer la Victoire de Samothrace ? Malgré sa beauté intrinsèque, le monument n'a pas échappé aux méfaits du temps, et sa présentation a été remise en cause par une recherche archéologique renouvelée. Depuis son arrivée en 1864, trois restaurations ont déjà scandé sa vie au Louvre. Aujourd'hui, restaurer une sculpture antique, c'est se confronter au talent des Anciens ; restaurer une oeuvre grecque complétée au XIXe siècle, c'est tenir compte de sa seconde vie ; restaurer un chef-d'oeuvre du Louvre, c'est avoir à l'esprit l'attachement que chacun lui porte. Restaurer la Victoire de Samothrace revient à faire les trois choses à la fois. Cette plongée au coeur de l'oeuvre, aventure passionnante entre toutes, méritait d'être dévoilée au public. Mais c'est aussi l'occasion de lui présenter le monument de la Victoire dans son cadre antique, sur l'île de Samothrace, dans le sanctuaire des Grands Dieux où il a été dédié. Il s'agit enfin de lui donner des clés pour l'aider à apprécier pleinement la Victoire de Samothrace, une fois passée l'émotion qu'elle provoque : qui est cette Victoire à la draperie virtuose, pourquoi surmonte-t-elle une impressionnante base en forme de proue de navire ? Sans oublier la révélation de quelques secrets techniques bien cachés, qui forcent eux aussi l'admiration.

Né au cours des années 1960 et 1970, l'art urbain est devenu un phénomène artistique planétaire. Exercé au départ gratuitement et sans autorisation dans l'espace public, il agrège des pratiques et des formes aussi diverses que le graffiti, le muralisme ou le street art, et charrie des influences qui vont de la publicité aux cultures de masse en passant par le militantisme. Sans former un véritable mouvement, tous ces artistes n'en ont pas moins des points communs.
Parmi eux, la capacité à oeuvrer dans la ville en toute liberté, avec une remarquable économie de moyens. Quatre auteurs reviennent sur les origines de l'art urbain, depuis l'émergence de pratiques contextuelles et du graffiti writing dans les années 1960 jusqu'à sa reconnaissance publique, institutionnelle, médiatique et même marchande. Quatre regards complémentaires, portés sur un mouvement hétérogène, car accessible à tous.

Artiste autodidacte n'ayant jamais quitté la France, Henri Rousseau, dit « Le Douanier », a puisé ses sources d'inspiration dans l'imagerie populaire, les albums et les récits de voyage, les photographies anciennes, les cartes postales, les images du Jardin des Plantes ou du Muséum d'histoire naturelle, un répertoire de motifs magistralement assemblés dans de mystérieuses toiles éclatantes de couleurs. Combats de fauves et de bêtes sauvages, jungles effrayantes à la végétation envahissante contrastent avec des toiles paisibles mettant en scène des singes, facétieux substituts des humains. La peinture de Rousseau pose en fait la question de l'autre, du sauvage par rapport au civilisé mais aussi de l'autodidacte face au peintre académique. Père de la peinture naïve et précurseur du primitivisme au même titre que Gauguin, cet employé de l'octroi de Paris, qui trouvait dans la peinture une évasion salutaire, apparaît aujourd'hui comme une des figures de proue de l'art du xxe siècle, Apollinaire, Jarry, Picasso, Delaunay et Kandinsky, ses amis, ne s'y trompèrent pas.